La fotografía sin duda a sido de gran ayuda a través del tiempo para generar archivos visuales en un sin fin de campos.
http://link.springer.com/article/10.1007/BF00437111#page-1
lunes, 20 de julio de 2015
Primer daguerrotipo en América
La fotografía sin duda a sido de gran ayuda a través del tiempo para generar archivos visuales en un sin fin de campos.
http://link.springer.com/article/10.1007/BF00437111#page-1
Ejercicio 2: Comparacion entre pinturas del renacimiento y del S. XIX
Los cambios entre estos dos periodos son muy notables la evolución de las técnicas y las diferentes maneras de entender y expresar mediante de las pinturas generan que las obras vayan cambiando y evolucionando desde las escuelas clásicas de la pintura hasta nuevos horizontes.
podemos diferenciar desde los temas aplicados en el renacimiento, temas de seres perfectos y bien definidos, temas de dioses y mitologías hasta llegar al impresionismo en elsiglo XIX como descomponen esas figuras bien definidas por brochazos burdos,que al mismo tiempo expresan mas sentimientos emotivos como así también de furia, podemos ver agresividad en la manera de pintar, estas técnicas permiten expresar de otra manera y a través de mas formas sentimientos mediante los colores y escenas.
Venus y Marte - Botecelli
En esta obra se denota por colores claros en la mayoría asi como la presencia de claroscuros en el lado derecho e izquierdo, así como la censura en el cuerpo femenino y los genitales de la figura masculina que ademas le da un toque dramático debido al gesto que posee, ademas de estos hay presencia de querubines, el escenario se ubica en un establo.
Autor: Sandro Botecelli
Año: 1483
Tecnica: Temple y Oleo sobre tabla
Medidas: 69 x 173 cm
Ubicacion: Galeria Nacional de Londres, Londres, Reino Unido
La escuela de Atenas
La escuela de Atenas es una de las pinturas más famosas del artista Rafael Sanzio. Fue hecha en boceto entre 1509 y 1510 y pintada entre 1510 y 1512 como parte de una comisión para decorar con frescos las habitaciones que hoy en día son conocidas como las estancias de Rafael, ubicadas en el Vaticano. La Stanza della Segnatura fue la primera en ser decorada, y La escuela de Atenas la segunda pintura en ser finalizada, tras La disputa del Sacramento.
Autor Rafael Sanzio, 1510-1511
Técnica Pintura al fresco
Estilo Renacimiento
Tamaño 500 cm × 770 cm
Localización Museos Vaticanos, Roma, Flag of the Vatican City.svg Ciudad del Vaticano
Siglo XIX
Saturno devorando a su hijo - Goya
La tecnica es menos definida y podemos observar una escena mas cruda y agresiva, la manera de ver a las deidades como seres perfectos es olvidada para dar paso a la crueldad y frialdad de estos seres.
Autor: Francisco Goya
Año: 1819-1823
Tecnica: Oleo sobre lienzo trasladado a lienzo
Medidas: 146 x 86 cm
Ubicacion: Museo del Prado, Madris, España
Lluvia, Vapor y Velocidad - Turner
En esta obra apenas podemos notar la
forma del ferrocarril, la paleta de colores es sepia. El tema mitologico
se ha hecho a un lado y ahora la tecnlogia y la revolucion industrial
ha tomado ser el tema de interes de los pintores.
Autor: Joseph Mallord William Turner
Año: 1844
Tecnica: Oleo sobre lienzo
Tamaño: 91 x 121.8 cm
Ubicacion: Galeria Nacional de Londres.
El nacimiento de Venus (Botecelli)
El nacimiento de Venus (Botecelli) y su desproporcion.
El estilo particular de pintura que Botticelli utiliza para el nacimiento de Venus también es único en comparación con las técnicas de pintura populares de la época. Bellas artistas del Renacimiento italiano representan generalmente sus sujetos humanos en el estilo del naturalismo, que se caracteriza por las proporciones del cuerpo que son tan fieles a la realidad posible. El uso de la profundidad perspectiva también se considera ideal para la pintura en el estilo naturalista. La diosa en el centro de la concha de mar se considera un poco desproporcionada anatómicamente, y la escena en general tiene un alcance menor de profundidad perspectiva cuando se compara con alguna otra pintura que algunos de los contemporáneos de Botticelli creado.
La pintura de Sandro Botticelli (1445-1510) se opone al naturalismo científico de Masaccio y sus seguidores, y se muestra continuador del estilo idealizado y amable de Fra Angelico y Fra Filippo Lippi. Sus pinturas resaltan por su sentimiento delicado, la exuberancia decorativa, el naturalismo idealizado, el predominio de una precisa línea sobre el color y el gusto por la línea curva y sinuosa creación de composiciones simétricas y equilibradas, que solían responder a formas geométricas como el triángulo equilátero. Frente a las curvas de la composición y las figuras, los paisajes contrastas por sus disposiciones rectas, bien horizontales o verticales. Su formación humanística se manifestó en sus alegorías, representaciones simbólicas de temática mitológica o clásica, como La Primavera(hacia 1478) y El nacimiento de Venus (1485). También es autor de retratos y de numerosas composiciones religiosas.
Arte Clasico
Comienza en el renacimiento en el S. XV-XVII, se caracteriza con a
representacion de la belleza clasica en la pintura europea anterior al
modernismo
este se divide en dos etapas:
el
quattrocento: Se situa a los largo de todo el S. XV, se caracteriza por
crear obras limpias y es la cuna de los grandes maestros.
El
cinquecento: Se da en entre 1500 a 1549, es más adornado y complejo que
el quattrocento, los grandes maestros ya conocen y explotan los
conocimientos de la era pasada, la capital renacentista es Venecia.
El nacimiento de una Venus- Botecelli:
Pintura famosa del quattoccento, inspirados en los cuerpos de la antigua
Grecia. La leyenda cuenta que la esposa de Zeus, lo castro al
encontrarlo con una de sus amantes, y los restos los avento al mar,
donde el semen llego hasta una de las playas y de ahí nació La venus.
Autor: Sandro Botecelli
Tecnica: Temple sobre lienzo
Estilo y año: Renacimiento-1484
Tamaño: 278.5 cm x 172.5 cm
Localizacion: Galeria Uffizi, Florencia, Italia.
http://es.wikipedia.org/wiki/El_nacimiento_de_Venus_(Botticelli)
La Venus Dormida- Giorgione:
Las connotaciones eróticas son sutilmente planteadas (recientemente durante una restauración fue borrado un Cupido añadido
al paisaje con posterioridad a los aportes de Tiziano): la Venus tiene
levantado su brazo derecho mostrando así el hueco de la axila, esto es
una metáfora del sexo femenino, al mismo tiempo su mano izquierda reposa
dulcemente sobre la región pubiana.
El paisaje con sus formas curvas refuerza las de la mujer.Sin
embargo, como en otras obras del mismo maestro, existe una mirada
distanciada, una actitud contemplativa hacia la naturaleza y la belleza:
la mujer aparece
en un sueño recatado, las hojas tienen tonalidades plateadas (color más
bien frío, en lugar de los más usados en este tipo de tema, colores
cálidos), teniendo la joven una actitud ligeramente rígida en
comparación con las Venus pintadas por Tiziano o Velázquez.
Autor: Giorgione
Año: Asi los años 1507 a 1510
Tecnica: Oleo sobre lienzo.
Medidas: 108.5 x 175 cm
Localizacion: Gemäldegalerie Alte Meister, Dresde, Alemania
http://es.wikipedia.org/wiki/Venus_dormida_%28Giorgione%29
El triunfo de Galatea- Rafael
En esta obra la ninfa Galatea, que ocupa el centro de la composición, representa el triunfo del amor platónico frente al amor carnal, del que se ve rodeada, con numerosos tritones, nereidas y
otras criaturas marinas que, víctimas de los disparos de varios cupidos
celestes, se ven arrebatados al goce sensual en movimientos muy
dinámicos y contrapuestos. Galatea adopta una pose serpentinata y destaca su cabellera rubia ondeando al viento y su manto rojo pompeyano,
tonalidad que vincula esta obra con la pintura de la antigüedad.
Asimismo, cabe resaltad su serenidad, con una mirada hacia la esquina
izquierda donde aparece el único cupido (de los varios que lanzan sus flechas de amor en el cielo) que, tranquilo, reserva sus dardos para la mejor ocasión.
Autor: Rafael
Año: 1511
Tecnica: Fresco
Medidas: 297 x 225 cm
Localizacion: Villa Farmesina, Venecia, Italia.
http://es.wikipedia.org/wiki/El_triunfo_de_Galatea_(Rafael)
Venere di Urbino (Venus de Urbino)- Tiziano
Juega
con los tiempos y regresa a la mitología griega clásica a la época del
renacimiento. La musa se encuentra dentro de la casa renacentista pues
mira al espectador, es decir se convierte de carne y hueso
Representa
a una joven desnuda semitendida sobre un lujoso lecho en el interior de
un palacete veneciano. En el fondo se observa una gran ventana por
donde entran leves reflejos de la laguna y se observa el cielo tras un
árbol; al lado de la ventana se encuentran dos criadas casi
enigmáticamente de espaldas acomodando ropas en un cassone o arcón de bodas; el arcón parece evocar el mito de la caja de Pandora. A los pies de la joven desnuda duerme un perrito; la presencia del perro es signo de que la representada no es una diosa, sino una mujer real, aunque no se sabe exactamente quién es. Algo más: el perro, típica alegoría de la fidelidad, aquí aparece, sugerentemente, dormido.
Autor: Tiziano
Año: 1538
Tecnica: Oleo sobre lienzo.
Medidas: 165 x 119 cm
Ubicacion: Galeria Uffizi, Venecia Italia
Venus, Ceres y Juno - Giulio Romano.
Este fresco confronta el espectador. Este tipo de obras se deben mirar
de arriba hacia abajo para apreciar correctamente para apreciar
correctamente la proporcion.
Autor: Giulio Romano.
Año: 1517, 1518
Tecnica: Fresco
Localizacion: Villa Fornesia, Italia
https://alexorbeuam.wordpress.com/2015/03/10/cinquecento-siglo-xvi/
Cupido y las tres Gracias- Giulio Romano.
En este fragmento Cupido, quien ya esta enamorado de Psique, envia a las tres Gracias
Autor: Giulio Romano
Año: 1517- 1518
Tecnica: Fresco
Localizacion: Villa, Farnesia.
https://alexorbeuam.wordpress.com/2015/03/10/cinquecento-siglo-xvi/
Venus with a Satyround Cupids. - Carracci.
Autor: Annibale Carracci.
Año: 1588
Tecnicas: Oleo en Lienzo
Medidas: 112 x 142 cm
Localizacion: Galley Degli, Uffizi, Firenzi.
Gaspar Felix Tournachont "Nadar"
Por consejo de un amigo compró una cámara fotográfica que utilizó para recoger los retratos que habrían de servir de base de las caricaturas de su obra Panthéon Nadar, 1853, donde aparecieron grandes personajes de la política y la cultura del momento pertenecientes a su círculo de amistades, tales como Charles Baudelaire. Una foto que hizo a éste fue luego empleada como modelo por Manet para un grabado.
Estudio de Nadar en el Boulevard des Capucines de París, 1860.
Nunca se planteó el retrato fotográfico como una actividad con la que ganar dinero, pues mantenía unas ideas estéticas sobre cómo realizar los retratos que le alejaban de los criterios más comerciales, pero que por el contrario lo elevaban al rango artístico. En todo momento se negó a colorear los retratos, así como a practicar cualquier tipo de retoque. También renunció a la utilización de elementos de atrezzo. Nadar únicamente se sirve de la luz –modo de iluminar al modelo– y del gesto –mirada y actitud de los modelos favorecida por la relajación de los amigos fotografiados–, como elementos principales de la fotografía.
Nadar hacía retratos como lo haría un pintor pero con un medio nuevo. Ha existido un largo debate científico sobre si copiaba/imitaba la pintura, aunque parece que finalmente se ha acabado con la polémica al reconocer que si bien es cierto que Nadar seguía los cánones clásicos ya sentados en la pintura con una técnica nueva, no deja de cultivar un género artístico del que también participa la pintura. En las obras de Nadar lo importante es realmente el rostro del retratado razón por la cual se prescinde de adornos supérfluos. En aras del realismo desprecia el coloreado de las imágenes o su retoque buscando con ello una mayor claridad.
A Nadar se deben las primeras fotografías aéreas de la historia en el año 1858,1 realizadas con una cámara fotográfica desde un globo aerostático. Esta innovación tuvo un gran interés militar. En los años 1870 fue nombrado comandante de una compañía de globos aeroestáticos para tomar fotografías de las posiciones de los prusianos que cercaban el París de la Comuna. También fue el primer fotógrafo en realizar fotografías con luz artificial consiguiendo captar imágenes de las catacumbas de París.
Comparacion cuadros de Eduard Manet y Claude Monet
Autor: Eduard Manet
Titulo: Almuerzo sobre la hierba
Año: 1863
Tecnica: Oleo sobre lienzo
Medidas: 208 x 264.5 cm
Ubicacion: Museo de Orsay, Paris.
Autor: Eduard Manet
Titulo: Olympia,1863
Tecnica: Oleo sobre lienzo
Medidas: 190x130.5 cm
Ubicacion Museo de Orsay, Paris. FRA
Autor: Claude Monet 1872
Titulo: Sol naciente
Tecnica: Oleo Sobre lienzo
Estilo: Impresionismo
Tamaño: 47 x 64 cm
Localizacion: MuseoMarmothan-Monet, Paris, FRA
Autor: Claude Monet 1878
Titulo: La calle Montorgueil
Tecnica: Oleo Sobre lienzo
Estilo: Impresionismo
Tamaño: 81 x 50 cm
Localizacion: Museo de Orsay Paris, FRA
Sin duda 2 grandes pintures Impresionistas, su enfoque es el que los diferencia,por un lado tenemos a Manet y sus pinturas con escenas cotidianas, gente en parques, escenas cotidianas llevadas al lienzo con un toque muy particular, transformando simples escenas en grandes obras, por otro lado tenemos a Monet y su pintura impresionista sobre escenas en la naturaleza llenos de color hacen ver las escenas con otros ojos, convierte sus brochazos poco a poco en una composición única y colorida que nos expresa sentimientos a traves de los colores.
Encuentro Samuel Morse y Luis Daguerre
Luis Daguerre fue un pintor y decorador teatral francés que se encargo de divulgar la fotografía tras inventar el famoso Daguerrotipo.Los
daguerrotipos se distinguen de otros procedimientos porque la imagen se
forma sobre una superficie de plata pulida como un espejo. Para
economizar, normalmente las placas eran de cobre plateado, pues sólo era
necesario disponer de una cara plateada.
La imagen revelada está formada por
partículas microscópicas de aleación de mercurio y plata, ya que el
revelado con vapores de mercurio produce amalgamas en la cara plateada
de la placa. Previamente esa misma placa era expuesta a vapores de yodo
para que fuera fotosensible.
Samuel Morse era un
inventor y pintor estadounidense que junto con su compañero Alfred
Vail inventó e instaló un sistema de telegrafía en Estados Unidos, el
primero de su clase. Se trataba del telégrafo Morse, que permitía
transmitir mensajes mediante pulsos eléctricos mediante el código Morse,
también inventado por él.
Daguerre ya era
famoso en París para la fase iluminada por el sol que había pintado en
febrero 1822 para la producción de la Ópera de París de “Aladdin”, y más
aún para su diorama, un 350- teatro asiento en 4 rue Sanson que
presenta imágenes a contraluz en un escenario para el disfrute de
grandes audiencias.
Profesión de Daguerre natural lo llevó a sentir curiosidad por el trabajo de Niépce, y por el 1829 que estaban colaborando.Niépce
y Daguerre generan imágenes expuestas por el sol o de betún, pero
Niépce nunca vivieron para ver estos esfuerzos conjuntos dan fruto. Así las cosas, Daguerre, que continuó después de la muerte de Niepce en 1833, se reunió con el éxito sólo por accidente. En
1835 él puso sus platos en un armario, sin saber que un recipiente de
mercurio tenía una fuga en el mismo y se que emite vapor en el espacio
cerrado, creando así el primer daguerrotipo.
Con su primera película de éxito en la mano
en 1837, Daguerre desfiló su invento en carreta por las calles de
París, con la esperanza de solicitar licencias para su uso. Este
enfoque logra un éxito limitado, pero en 1839 el eminente científico
Francois Arago promovido el proceso y el daguerrotipo se convirtió en
una verdadera sensación. Antes de que terminara el año, manual de instrucciones de Daguerre constaba de 30 ediciones y fue traducido a ocho idiomas. Para 1845 los parisinos estaban comprando 2.000 cámaras y tres millones de placas al año.
Encuentro entre los dos inventores
Al ver a su primer daguerrotipo, el pintor Paul Delaroche declaró: “A partir de hoy la pintura ha muerto”, y Samuel FB Morse, un consumado pintor, así como el inventor del telégrafo, al parecer, estuvo de acuerdo. Morse se encontraba en París, justo como la locura daguerrotipo estaba floreciendo, y se las arregló para cumplir con Daguerre, el 2 y 9 de marzo de 1839 Mirando a través de un microscopio en placas de Daguerre, se sorprendió al ser capaz de leer cada letra de una señal de tráfico . Era, dijo, “Rembrandt perfeccionado.” (En uno de crueles giros del destino, Diorama de Daguerre se quema a la tierra aun como este encuentro estaba pasando.)
Al ver a su primer daguerrotipo, el pintor Paul Delaroche declaró: “A partir de hoy la pintura ha muerto”, y Samuel FB Morse, un consumado pintor, así como el inventor del telégrafo, al parecer, estuvo de acuerdo. Morse se encontraba en París, justo como la locura daguerrotipo estaba floreciendo, y se las arregló para cumplir con Daguerre, el 2 y 9 de marzo de 1839 Mirando a través de un microscopio en placas de Daguerre, se sorprendió al ser capaz de leer cada letra de una señal de tráfico . Era, dijo, “Rembrandt perfeccionado.” (En uno de crueles giros del destino, Diorama de Daguerre se quema a la tierra aun como este encuentro estaba pasando.)
Posterior al encuentro
De
vuelta en Nueva York, Morse se instaló como un instructor de
daguerrotipo a los alumnos que llegó a incluir Matthew Brady, cuya Civil
War fotografías alcanzado fama duradera, y Edward Anthony, que llegaría
a convertirse en uno de los primeros clientes en seco placa de George
Eastman. Así, el daguerrotipo comenzó su carrera americana con una nota respetable.
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