Encontré esta imagen de la obra titula Olympia de Manet, y me pareció bastante interesante ya que recrea el momento en el que el pintor ha terminado el cuadro y lo muestra a las modelos que aparecen en el, sin duda es único ya que esto solo se podría haber logrado si en el momento hubiera habido un fotógrafo y retratara el momento, lo cual a mi parecer seria algo irónico hasta cierto punto, pero en esta obra podemos ver de otra manera el trabajo y la recreación de esta escena.
Después de este trimestre cursado, entiendo que el diseño va mas allá de solo construir objetos, estos deberán resolver problemas y estar fundamentados en las necesidades de los usuarios, ir mas allá de lo estético sino ser funcionales y prácticos, el diseño se encarga de descifrar y construir objetos que cumplan estos requisitos, para el uso y consumo de los usuarios.
Primera definicion Para mi el diseño, es la forma y construcción de los objetos e imágenes, la cual esta basada en necesidades como su utilidad u objetivo, en otras palabras esta justificado la forma y/o utilidad de este asi como sus características como color, textura, mensaje
Escogí el pensador, ya que me llamo mucho la atención de como la acción de pensar pudiera llegar atener una postura, normalmente nosotros a veces no tenemos una postura para pensar o reflexionar, sino que simplemente en la posición en la que estemos nos ponemos a reflexionar en nuestra mente sin importarnos nuestra posición corporal ya que la acción que realizamos es mental e interna, sin embargo esta escultura nos muestra a un hombre con una postura muy marcada, concentrado y hasta cierto punto creo yo que agobiado por sus pensamientos.
Esta obra la escogi, debido a lo que me hizo sentir, muchas veces fracasamos o perdemos en la vida, en diferentes aspectos y nos sentimos"vencidos" ante estas perdidas, la postura refleja la impotencia del ser, al haber fallado.
"Tenderle la mano a alguien"
De esta manera describo esta obra, la sencillez de brindarle apoyo a alguien, fue lo que vi en esta obra, o como el dicho lo dice 2 son mejor que uno, yo veo apoyo y fraternidad en esta obra.
Sin duda la tecnología ha transformado a la humanidad, ha hecho el trabajo mas sencillo, nos ha acercado con otros lugares y mantenernos comunicados de una forma mucho mas sencilla unos con otros, pero aun así las primeras revoluciones tecnológicas fueron mas sencillas que las que ahora conocemos pero aun así transformaron a la sociedad de sus tiempos, crearon nuevas oportunidades de empleos y nuevas industrias, a continuación presentaremos algunos de los inventos mas sobresalientes.
La Maquina de Vapor
El inicio de la era de las máquinas de vapor empezó con Eduard Somerst (marqués de Worcester, Inglaterra) en 1663. Basándose en el principio de que si en una botella de agua de plástico metemos vapor de agua y la ceramos, cuando enfriamos el vapor, al condensarse, la botella se aplastaría. Es decir el vapor de agua al enfriarse disminuye la presión. Si la boca de la botella estuviera abierta y en contacto con agua de un recipiente, el agua del recipiente entraría en la botella ascendiendo. Esta disminución de la presión del vapor de agua al enfriarse dio lugar a que Somerst pensará en una máquina capaz de subir agua en los pisos de la construcción. En 1663 presentó su libro "Un siglo de invenciones",donde ya plantea los principios de su máquina a vapor que elevaba volúmenes de agua.
El problema es que Somerst no encontró capital suficiente para vender y producir su máquina. Ni siquiera la patento, lo que hace que la mayoría de la gente no le considere el inventor de la máquina. Podríamos considerar a Somerst como el ideólogo (el que tuvo la idea) de la primera máquina de vapor.
En aquella época había en Inglaterra un gran problema. El agua que inundaba las minas. Tuvo que llegar Thomas Savery (1650-1715, mecánico inglés) que mejoró la máquina de Somerst y la patentó. Esto hace que se le considere el verdadero inventor de la máquina de vapor, ya que su máquina si se comercializó e incluso fue evolucionando. En su época constituyó un gran avance en la industria minera, resolviendo el problema del agua en las minas.
El primer ferrocarril propiamente tal (esto es, fabricado con hierro) estaba formado por un cuerpo de madera recubierto por una chapa, y fue fabricado en 1768. Esto permitió la elaboración de aparatos de vía más complejos. En un principio solo existían lazos de final de línea para invertir las composiciones, pero pronto aparecieron los cambios de agujas.A partir de 1790 se utilizaron los primeros carriles de acero completo en Reino Unido. En 1803, William Jessop inauguró la línea «Surrey Iron Railway» al sur de Londres, siendo el primer ferrocarril público tirado por caballos. La invención del hierro forjado en 1820 permitió superar los problemas de los primeros carriles de hierro, que eran frágiles y cortos, aumentando su longitud a 15 metros.12 En 1857 comenzaron a fabricarse carriles de acero definitivamente.
El desarrollo del motor de vapor impulsó la idea de crear locomotoras de vapor que pudieran arrastrar trenes por líneas. La primera fue patentada por James Watt en 1769 y revisada en 1782, pero los motores eran demasiado pesados y generaban poca presión como para ser empleados en locomotoras. En 1804, utilizando un motor de alta precisión, Richard Trevithick presentó la primera locomotora capaz de arrastrar un tren en Merthyr Tydfil (Reino Unido) realizada junto a Andrew Vivían, la prueba tuvo un éxito relativo ya que la locomotora rompió los frágiles rieles de chapa de hierro.
El teléfono es un dispositivo de telecomunicación diseñado para transmitir señales acústicas a distancia por medio de señales eléctricas.
Durante mucho tiempo Alexander Graham Bell fue considerado el inventor del teléfono, junto con Elisha Gray. Sin embargo, Bell no fue el inventor de este aparato, sino solamente el primero en patentarlo. Esto ocurrió en 1876. El 11 de junio de 2002 el Congreso de Estados Unidos aprobó la resolución 269, por la que se reconocía que el inventor del teléfono había sido Antonio Meucci, que lo llamó teletrófono, y no Bell.
En 1871 Meucci solo pudo, por dificultades económicas, presentar una breve descripción de su invento, pero no formalizar la patente ante la Oficina de Patentes de Estados Unidos.
El teléfono convencional está formado por dos circuitos que funcionan juntos: el circuito de conversación, que es la parte analógica, y el circuito de marcación, que se encarga de la marcación y llamada.
Tanto las señales de voz como las de marcación y llamada (señalización), así como la alimentación, comparten el mismo par de hilos; a esto a veces se le llama «señalización dentro de la banda (de voz)».Fuente
El telégrafo es un dispositivo que utiliza señales eléctricas para la transmisión de mensajes de texto codificados, como con el código Morse, mediante líneas alámbricas o radiales. El telégrafo eléctrico, o más comúnmente sólo 'telégrafo', reemplazó a los sistemas de transmisión de señales ópticas de semáforos, como los diseñados por Claude Chappe para el ejército francés, y Friedrich Clemens Gerke para el ejército prusiano, convirtiéndose así en la primera forma de comunicación eléctrica.
A partir de artículos de su estudio como un caballete, un lápiz, piezas de un reloj viejo y un péndulo, Morse fabricó un aparato entonces bastante voluminoso. El funcionamiento básico era simple: si no había flujo de electricidad, el lápiz dibujaba una línea recta. Cuando había ese flujo, el péndulo oscilaba y en la línea se dibujaba un zigzag.
Durante el siglo XX, las ferias mundiales tuvieron un considerable
auge en las grandes ciudades europeas. Más limitadas las ciudades
pequeñas, organizaban ferias de corte local o regional como la
“Exposición de Arte e Industria Textil”, organizada en Düsseldorf,
Alemania. Dicha muestra fue celebrada en 1902, bajo una estructura
modular al estilo Jugendstil aleman, diseñada por Bruno Möhring;
originalmente concebida en Oberhausen como cuarto de máquinas de la
metalúrgica Gutehoffnungshütte (Mina de la Buena Esperanza).
La arquitectura, punto característico de la personalidad del
Jugendstil, por la simbiosis entre la fuerza del hierro y la delicadeza
de los ornamentos, la aplicación de la belleza como estimulo intelectual
y los ideales creativos en función del uso diario, dieron vida al
inhrete atractivo contraste del estilo; el cual es conocido también como
Art Nouveau o Modernismo. Particularmente, para dar a los edificios
solidez y conservar su ligereza, se incorporó el tabique sin
recubrimiento con el fin de lograr una impresión de mayor peso a las
estructuras creadas con cristal.
La instalación de la gran sala culminó en 1903, por sus torres de
hierro semejantes a campanarios, sus ventanales color violeta y su
majestuoso pórtico, el edificio parecía más una catedral que un centro
de exhibiciones y por su parecido al “Crystal Palace”, los vecinos
comenzaron a llamarle “El Palacio de Cristal”; sin embargo la industria
mexicana no se había desarrollado aún, motivo por el cual, el hermoso
edificio no pudo cumplir con los fines de su adquisición.
A finales de los años sesenta, el edificio era una ruina por lo que
se estudiaron alternativas para definir su destino, una de ellas,
desmontarlo y venderlo como chatarra. Por fortuna, surge entonces la Ley
de Monumentos Artísticos e Históricos que obligó al INAH a catalogarlo
como tal, logrando así que la UNAM lo protegiera.
Fue en el año de 1973, cuando se inició el trabajo de rescate del
inmueble. Después de casi dos años, el renaciente Museo Universitario
del Chopo comenzó una nueva historia como espacio dedicado a la difusión
cultural, particularmente del arte joven y experimental.
FUENTE: http://www.chopo.unam.mx/historia.html
Es un museo muy interesante, la estructura podemos apreciarla claramente debido a que en la mayor parte no esta cubierta por concreto o algún material, podemos observar su armado con el simple hecho de observarla y replantearnos hasta si existiera la posibilidad de desarmarlo y armarlo a nuestro propio gusto como si fuera un juguete armable.
El Kiosco Morisco se localiza en el centro de la
Alameda de Santa María La Ribera, en el cruce de la calle Dr. Atl y
Salvador Díaz Mirón.
La
historia de este kiosco data de finales del siglo XIX, cuando fue
diseñado por el Ing. José Ramón Ibarrola para ser el Pabellón de México
en la Exposición Universal de 1884 – 1885 y de la Feria de San Luis
Missouri en 1902. La estructura de este kiosco (conformada por varios
arcos y columnas mudéjares) está realizada completamente en hierro,
material de construcción en voga en aquella época y que se piensa fue
fundida en Pittsburgh, Pensilvania en hornos propiedad del magnate
norteamericano Andrew Carnegie debido a la relación de amistad que tenía
con el diseñador del kiosco.
Tras
haber cumplido su cometido, la estructura fue traída de nuevo a México a
principios del siglo XX, siendo instalada en el costado sur de la
Alameda Central, en frente del ex – convento de Corpus Christi. Durante
el tiempo que permaneció en ese lugar, el Kiosco Morisco fue sede de los
sorteos de la Lotería Nacional. Posteriormente, durante las fiestas del
centenario, el presidente Porfirio Díaz mandó erigir un monumento en
ese sitio, el Hemiciclo a Juárez. Por tal razón y en respuesta a una
petición por parte de los colonos del nuevo fraccionamiento Santa María
La Ribera, el kiosco fue trasladado a su ubicación actual, donde es
ahora el centro de reunión de la comunidad y orgullo de esa colonia,
orgullo que ha alimentado un gran número de mitos alrededor de esta
construcción, mismos que van desde la afirmación de que el kiosco fue
donado por un jeque árabe hasta la asociación del kiosco con aspectos
astro lógicos y mágicos debido a su planta octagonal y el gran número de
decoraciones geométricas que tiene.
Es un lugar en el que vale la pena observar por mucho tiempo, por la cantidad de figuras que tiene.
Es la vista exterior del kiosmo, llama mucho la atencion ver una obra arquitectonica tan detalla e invita a ser recorrida con mucha atencion a traves de sus colores y detallesPodemos observar la compsicion detallada a partir de patrones geometricos en sus interioires tanto asi como en su misma estructura.
Sin duda el arte ha evolucionado mucho ya sea por las revoluciones estéticas así mismo como los procesos de manufactura, ademas de volverse conceptual en cuanto a las obras, como en los siguientes casos podemos ver objetos comunes propuestos de maneras diferentes.
El primero de los objetos al ser expuesto en un evento organizado por artistas artos de la academia que se dice limitaban su creatividad cuestiono a los mismos artistas. Los que en mi opinión no pasaron la prueba, ya que de la pieza original solo queda una imagen captada unos momentos antes de ser destruida en el lugar. http://www.tate.org.uk/art/artworks/duchamp-fountain-t07573 Por el contexto histórico de Warhol se propuso cuestionar si es que existían cualidades artísticas en los objetos de consumo ya que hoy en día los que realizan las presentaciones de los productos pueden ser artistas o diseñadores buscando no solo hacer mas llamativo el producto para hacer un mejor consumible sino agregando valor estético.http://www.warhol.org/sp/aract_brillo.html http://www.academia.edu/4351325/Caja_de_Zapatos_Vacia
Y por ultimo la caja de
zapatos que ademas de controversial anecdótica porque se dice que los
encargados de limpieza de donde se expuso por primer vez esta caja de
zapatos vacía estuvieron retirando constantemente de de la exposición es
ta caja (ya que en la realidad de estas personas esto no arte). Pero
Orozco propone que cualquier objeto puede producir una experiencia
estética.
El propósito de esta imagen fue medico, es la escena de una amputación a un soldado que participara en los enfrenamientos entre Estados Unidos y México
La fotografía sin duda a sido de gran ayuda a través del tiempo para generar archivos visuales en un sin fin de campos.
Los cambios entre estos dos periodos son muy notables la evolución de las técnicas y las diferentes maneras de entender y expresar mediante de las pinturas generan que las obras vayan cambiando y evolucionando desde las escuelas clásicas de la pintura hasta nuevos horizontes.
podemos diferenciar desde los temas aplicados en el renacimiento, temas de seres perfectos y bien definidos, temas de dioses y mitologías hasta llegar al impresionismo en elsiglo XIX como descomponen esas figuras bien definidas por brochazos burdos,que al mismo tiempo expresan mas sentimientos emotivos como así también de furia, podemos ver agresividad en la manera de pintar, estas técnicas permiten expresar de otra manera y a través de mas formas sentimientos mediante los colores y escenas.
Venus y Marte - Botecelli
En esta obra se denota por colores claros en la mayoría asi como la
presencia de claroscuros en el lado derecho e izquierdo, así como la
censura en el cuerpo femenino y los genitales de la figura masculina que
ademas le da un toque dramático debido al gesto que posee, ademas de
estos hay presencia de querubines, el escenario se ubica en un establo.
Autor: Sandro Botecelli
Año: 1483
Tecnica: Temple y Oleo sobre tabla
Medidas: 69 x 173 cm
Ubicacion: Galeria Nacional de Londres, Londres, Reino Unido
La escuela de Atenas es una de las pinturas más famosas del artista Rafael Sanzio. Fue hecha en boceto entre 1509 y 1510 y pintada entre 1510 y 1512 como parte de una comisión para decorar con frescos las habitaciones que hoy en día son conocidas como las estancias de Rafael, ubicadas en el Vaticano. La Stanza della Segnatura fue la primera en ser decorada, y La escuela de Atenas la segunda pintura en ser finalizada, tras La disputa del Sacramento.
Autor Rafael Sanzio, 1510-1511
Técnica Pintura al fresco
Estilo Renacimiento
Tamaño 500 cm × 770 cm
Localización Museos Vaticanos, Roma, Flag of the Vatican City.svg Ciudad del Vaticano
La tecnica es menos definida y podemos observar una escena mas cruda y agresiva, la manera de ver a las deidades como seres perfectos es olvidada para dar paso a la crueldad y frialdad de estos seres.
En esta obra apenas podemos notar la
forma del ferrocarril, la paleta de colores es sepia. El tema mitologico
se ha hecho a un lado y ahora la tecnlogia y la revolucion industrial
ha tomado ser el tema de interes de los pintores.
El nacimiento de Venus (Botecelli) y su desproporcion.
El estilo particular de pintura que Botticelli utiliza para el nacimiento de Venus también es único en comparación con las técnicas de pintura populares de la época. Bellas artistas del Renacimiento italiano representan generalmente sus sujetos humanos en el estilo del naturalismo, que se caracteriza por las proporciones del cuerpo que son tan fieles a la realidad posible. El uso de la profundidad perspectiva también se considera ideal para la pintura en el estilo naturalista. La diosa en el centro de la concha de mar se considera un poco desproporcionada anatómicamente, y la escena en general tiene un alcance menor de profundidad perspectiva cuando se compara con alguna otra pintura que algunos de los contemporáneos de Botticelli creado.
La pintura de Sandro Botticelli (1445-1510) se opone al naturalismo científico de Masaccio y sus seguidores, y se muestra continuador del estilo idealizado y amable de Fra Angelico y Fra Filippo Lippi. Sus pinturas resaltan por su sentimiento delicado, la exuberancia decorativa, el naturalismo idealizado, el predominio de una precisa línea sobre el color y el gusto por la línea curva y sinuosa creación de composiciones simétricas y equilibradas, que solían responder a formas geométricas como el triángulo equilátero. Frente a las curvas de la composición y las figuras, los paisajes contrastas por sus disposiciones rectas, bien horizontales o verticales. Su formación humanística se manifestó en sus alegorías, representaciones simbólicas de temática mitológica o clásica, como La Primavera(hacia 1478) y El nacimiento de Venus (1485). También es autor de retratos y de numerosas composiciones religiosas.
Comienza en el renacimiento en el S. XV-XVII, se caracteriza con a
representacion de la belleza clasica en la pintura europea anterior al
modernismo
este se divide en dos etapas:
el
quattrocento: Se situa a los largo de todo el S. XV, se caracteriza por
crear obras limpias y es la cuna de los grandes maestros.
El
cinquecento: Se da en entre 1500 a 1549, es más adornado y complejo que
el quattrocento, los grandes maestros ya conocen y explotan los
conocimientos de la era pasada, la capital renacentista es Venecia.
El nacimiento de una Venus- Botecelli:
Pintura famosa del quattoccento, inspirados en los cuerpos de la antigua
Grecia. La leyenda cuenta que la esposa de Zeus, lo castro al
encontrarlo con una de sus amantes, y los restos los avento al mar,
donde el semen llego hasta una de las playas y de ahí nació La venus.
Las connotaciones eróticas son sutilmente planteadas (recientemente durante una restauración fue borrado un Cupido añadido
al paisaje con posterioridad a los aportes de Tiziano): la Venus tiene
levantado su brazo derecho mostrando así el hueco de la axila, esto es
una metáfora del sexo femenino, al mismo tiempo su mano izquierda reposa
dulcemente sobre la región pubiana.
El paisaje con sus formas curvas refuerza las de la mujer.Sin
embargo, como en otras obras del mismo maestro, existe una mirada
distanciada, una actitud contemplativa hacia la naturaleza y la belleza:
lamujeraparece
en un sueño recatado, las hojas tienen tonalidades plateadas (color más
bien frío, en lugar de los más usados en este tipo de tema, colores
cálidos), teniendo la joven una actitud ligeramente rígida en
comparación con lasVenuspintadas por Tiziano oVelázquez.
Autor: Giorgione
Año: Asi los años 1507 a 1510
Tecnica: Oleo sobre lienzo.
Medidas: 108.5 x 175 cm
Localizacion: Gemäldegalerie Alte Meister, Dresde, Alemania
En esta obra la ninfa Galatea, que ocupa el centro de la composición, representa el triunfo del amor platónico frente al amor carnal, del que se ve rodeada, con numerosos tritones, nereidas y
otras criaturas marinas que, víctimas de los disparos de varios cupidos
celestes, se ven arrebatados al goce sensual en movimientos muy
dinámicos y contrapuestos. Galatea adopta una pose serpentinata y destaca su cabellera rubia ondeando al viento y su manto rojo pompeyano,
tonalidad que vincula esta obra con la pintura de la antigüedad.
Asimismo, cabe resaltad su serenidad, con una mirada hacia la esquina
izquierda donde aparece el único cupido (de los varios que lanzan sus flechas de amor en el cielo) que, tranquilo, reserva sus dardos para la mejor ocasión.
Juega
con los tiempos y regresa a la mitología griega clásica a la época del
renacimiento. La musa se encuentra dentro de la casa renacentista pues
mira al espectador, es decir se convierte de carne y hueso
Representa
a una joven desnuda semitendida sobre un lujoso lecho en el interior de
un palacete veneciano. En el fondo se observa una gran ventana por
donde entran leves reflejos de la laguna y se observa el cielo tras un
árbol; al lado de la ventana se encuentran dos criadas casi
enigmáticamente de espaldas acomodando ropas en un cassone o arcón de bodas; el arcón parece evocar el mito de la caja de Pandora. A los pies de la joven desnuda duerme un perrito; la presencia del perro es signo de que la representada no es una diosa, sino una mujer real, aunque no se sabe exactamente quién es. Algo más: el perro, típica alegoría de la fidelidad, aquí aparece, sugerentemente, dormido.
Este fresco confronta el espectador. Este tipo de obras se deben mirar
de arriba hacia abajo para apreciar correctamente para apreciar
correctamente la proporcion.
Por consejo de un amigo compró una cámara fotográfica que utilizó para recoger los retratos que habrían de servir de base de las caricaturas de su obra Panthéon Nadar, 1853, donde aparecieron grandes personajes de la política y la cultura del momento pertenecientes a su círculo de amistades, tales como Charles Baudelaire. Una foto que hizo a éste fue luego empleada como modelo por Manet para un grabado.
Estudio de Nadar en el Boulevard des Capucines de París, 1860.
Nunca se planteó el retrato fotográfico como una actividad con la que ganar dinero, pues mantenía unas ideas estéticas sobre cómo realizar los retratos que le alejaban de los criterios más comerciales, pero que por el contrario lo elevaban al rango artístico. En todo momento se negó a colorear los retratos, así como a practicar cualquier tipo de retoque. También renunció a la utilización de elementos de atrezzo. Nadar únicamente se sirve de la luz –modo de iluminar al modelo– y del gesto –mirada y actitud de los modelos favorecida por la relajación de los amigos fotografiados–, como elementos principales de la fotografía.
Nadar hacía retratos como lo haría un pintor pero con un medio nuevo. Ha existido un largo debate científico sobre si copiaba/imitaba la pintura, aunque parece que finalmente se ha acabado con la polémica al reconocer que si bien es cierto que Nadar seguía los cánones clásicos ya sentados en la pintura con una técnica nueva, no deja de cultivar un género artístico del que también participa la pintura. En las obras de Nadar lo importante es realmente el rostro del retratado razón por la cual se prescinde de adornos supérfluos. En aras del realismo desprecia el coloreado de las imágenes o su retoque buscando con ello una mayor claridad.
A Nadar se deben las primeras fotografías aéreas de la historia en el año 1858,1 realizadas con una cámara fotográfica desde un globo aerostático. Esta innovación tuvo un gran interés militar. En los años 1870 fue nombrado comandante de una compañía de globos aeroestáticos para tomar fotografías de las posiciones de los prusianos que cercaban el París de la Comuna. También fue el primer fotógrafo en realizar fotografías con luz artificial consiguiendo captar imágenes de las catacumbas de París.
Sin duda 2 grandes pintures Impresionistas, su enfoque es el que los diferencia,por un lado tenemos a Manet y sus pinturas con escenas cotidianas, gente en parques, escenas cotidianas llevadas al lienzo con un toque muy particular, transformando simples escenas en grandes obras, por otro lado tenemos a Monet y su pintura impresionista sobre escenas en la naturaleza llenos de color hacen ver las escenas con otros ojos, convierte sus brochazos poco a poco en una composición única y colorida que nos expresa sentimientos a traves de los colores.
Luis Daguerre fue un pintor y decorador teatral francés que se encargo de divulgar la fotografía tras inventar el famoso Daguerrotipo.Los
daguerrotipos se distinguen de otros procedimientos porque la imagen se
forma sobre una superficie de plata pulida como un espejo. Para
economizar, normalmente las placas eran de cobre plateado, pues sólo era
necesario disponer de una cara plateada.
La imagen revelada está formada por
partículas microscópicas de aleación de mercurio y plata, ya que el
revelado con vapores de mercurio produce amalgamas en la cara plateada
de la placa. Previamente esa misma placa era expuesta a vapores de yodo
para que fuera fotosensible.
Samuel Morse era un
inventor y pintor estadounidense que junto con su compañero Alfred
Vail inventó e instaló un sistema de telegrafía en Estados Unidos, el
primero de su clase. Se trataba del telégrafo Morse, que permitía
transmitir mensajes mediante pulsos eléctricos mediante el código Morse,
también inventado por él.
Daguerre ya era
famoso en París para la fase iluminada por el sol que había pintado en
febrero 1822 para la producción de la Ópera de París de “Aladdin”, y más
aún para su diorama, un 350- teatro asiento en 4 rue Sanson que
presenta imágenes a contraluz en un escenario para el disfrute de
grandes audiencias.
Profesión de Daguerre natural lo llevó a sentir curiosidad por el trabajo de Niépce, y por el 1829 que estaban colaborando.Niépce
y Daguerre generan imágenes expuestas por el sol o de betún, pero
Niépce nunca vivieron para ver estos esfuerzos conjuntos dan fruto.Así las cosas, Daguerre, que continuó después de la muerte de Niepce en 1833, se reunió con el éxito sólo por accidente.En
1835 él puso sus platos en un armario, sin saber que un recipiente de
mercurio tenía una fuga en el mismo y se que emite vapor en el espacio
cerrado, creando así el primer daguerrotipo.
Con su primera película de éxito en la mano
en 1837, Daguerre desfiló su invento en carreta por las calles de
París, con la esperanza de solicitar licencias para su uso.Este
enfoque logra un éxito limitado, pero en 1839 el eminente científico
Francois Arago promovido el proceso y el daguerrotipo se convirtió en
una verdadera sensación.Antes de que terminara el año, manual de instrucciones de Daguerre constaba de 30 ediciones y fue traducido a ocho idiomas.Para 1845 los parisinos estaban comprando 2.000 cámaras y tres millones de placas al año.
Encuentro entre los dos inventores Al ver a su primer daguerrotipo, el pintor Paul Delaroche
declaró: “A partir de hoy la pintura ha muerto”, y Samuel FB Morse, un
consumado pintor, así como el inventor del telégrafo, al parecer, estuvo
de acuerdo.Morse se encontraba en
París, justo como la locura daguerrotipo estaba floreciendo, y se las
arregló para cumplir con Daguerre, el 2 y 9 de marzo de 1839 Mirando a
través de un microscopio en placas de Daguerre, se sorprendió al ser
capaz de leer cada letra de una señal de tráfico .Era, dijo, “Rembrandt perfeccionado.”(En uno de crueles giros del destino, Diorama de Daguerre se quema a la tierra aun como este encuentro estaba pasando.)
Posterior al encuentro
De
vuelta en Nueva York, Morse se instaló como un instructor de
daguerrotipo a los alumnos que llegó a incluir Matthew Brady, cuya Civil
War fotografías alcanzado fama duradera, y Edward Anthony, que llegaría
a convertirse en uno de los primeros clientes en seco placa de George
Eastman.Así, el daguerrotipo comenzó su carrera americana con una nota respetable.
